ARTE

Pintores Madrazo

 

 Familia Madrazo

Familia Madrazo, dinastía de pintores españoles del siglo XIX, cuyos máximos representantes fueron José Madrazo y su hijo Federico. Entre los otros miembros de la familia sobresalen los dos hijos de este último, Raimundo y Ricardo Madrazo.

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JOSÉ MADRAZO Y AGUDO

(1781-1859), nació en Santander y estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Roma y en París, donde fue alumno de David d’Angers. Inició, junto con José Aparicio Inglada, la corriente pictórica historicista con temas de exaltación patriótica. La teatralidad y el carácter escenográfico propios del género que cultivó, así como la frialdad con la que define a sus personajes, le sitúan entre uno de los mejores representantes de la pintura neoclásica. También cultivó el retrato con una ausencia de aparatosidad y suntuosidad inusuales en la época. Fue pintor de cámara del rey Carlos IV.

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FEDERICO MADRAZO Y KUNTZ

(1815-1894), nacido en Roma, era hijo del anterior y de madre alemana. Fue un pintor romántico académico de corte francés, que cultivó tanto el género del retrato como el de la pintura histórica. Atravesó tres fases en su carrera. Al principio se decantó por la estética purista, de gran detallismo. Más tarde suavizó los contornos y su pintura se volvió más espontánea. Finalmente retornó a la tradición. Su formación en el dibujo hizo que predominara en él casi siempre la línea sobre el color. Pintó retratos para la aristocracia y gracias a ello gozó de una situación social elevada que le permitió frecuentar ambientes privilegiados. Su pintura está definida por medio de una pincelada prieta y muy brillante. Amigo de Ingres, trabajó en su taller durante su estancia en París. En Roma estuvo en contacto con el pintor alemán Johann Friedrich Overbeck y el grupo de los nazarenos, quienes reforzaron su destreza innata para el dibujo. Fue pintor de cámara de la reina Isabel II y director de la Academia de San Fernando y del Museo del Prado.

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RAIMUNDO MADRAZO Y GARRETA

(1841-1920), nació en Roma y fue discípulo de su padre. Después de estudiar en la Escuela de San Fernando de Madrid se trasladó a París, donde residiría el resto de su vida. Fue un retratista consumado al igual que su progenitor, y entre sus obras se encuentra el lienzo titulado La reina María Cristina, que se conserva en la Hispanic Society de Nueva York, institución de la que fue miembro. Su estilo desenfadado y colorista alcanzó su máxima expresión en el retrato femenino. En este sentido destacan de forma especial las obras que realizó inspiradas en la modelo Aline Masson.

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RICARDO MADRAZO Y GARRETA

(1852-1917), nació en Madrid y es el último representante de la familia. Cultivó la pintura de género y, a diferencia de su hermano, estuvo bajo el círculo de influencia de su cuñado, el pintor Mariano Fortuny, aunque también se aprecia la herencia de su padre en los retratos. Entre estos últimos destaca el titulado Don Antonio Cánovas del Castillo, que se conserva en el Congreso de los Diputados de Madrid.

Andy Warhol

 

Andy Warhol

Andy Warhol
Andy Warhol, 1977.
Nacimiento	6 de agosto de 1928 , Pittsburgh, Pensilvania, Estados Unidos
Fallecimiento	22 de febrero de 1987 (58 años) , Nueva York, Estados Unidos
Ocupación	Artista, pintor, cineasta
Padres	Ulja Justina Zavacka Andrej Warhola
Firma

Andrew Warhola, Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.

Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: "En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos". Esta frase de cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.

Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra.

La acrobata de la bola de Picasso

 

La acróbata de la bola, de Picasso

 

Desde 1904, Picasso visitaba a menudo el Circo Medrano, instalado cerca del estudio que el artista tenía en el Bateau-Lavoir, en Montmartre. La afición al circo se había desarrollado ya entre los pintores impresionistas atraídos por su luz y su movimiento. Sin embargo, la aproximación de Picasso tiene un carácter más universal y profundo. A través de las simbólicas figuras del circo, el pintor realizó una reflexión sobre la vida del artista y la vinculó a su investigación sobre los problemas fundamentales de la pintura. Las dos figuras principales de esta obra revelan los polos del arte de Picasso, la creatividad y la fantasía, por un lado, y la seriedad y el rigor, por otro. La acróbata sobre la bola, presente también en otra pintura importante de ese momento, Los saltimbanquis (The Baltimore Museum of Art, The Cone Collection), muestra el temperamento de juego propio del artista. Su amigo íntimo, el escritor Guillaume Apollinaire, la interpretó en términos de una danza estelar, alusiva a la radiante armonía del cosmos

Tras la intensa y melancólica expresividad de su época azul, en esta nueva etapa, desarrollada en París en 1905, Picasso indagó de un modo esencial sobre los aspectos más plásticos de la pintura: el dibujo, conciso y enérgico; la forma, cerrada y perfecta; y el volumen, muy marcado. Su búsqueda se orientó así hacia un rumbo muy distinto al de los jóvenes artistas franceses, fascinados por el colorido violento del fauvisme.

El artista malagueño, necesitado por entonces de materiales, reutilizó uno de sus lienzos grandes en el que había pintado un retrato del pintor Francisco Iturrino (1864-1924), del que existe testimonio fotográfico y radiográfico, y que se había expuesto en 1901 en la galería Ambroise Vollard, en París, durante la primera muestra de Picasso, que compartió con el propio Iturrino.

La composición de La acróbata de la bola, que estudió en varios dibujos preparatorios, revela un cuidado equilibrio entre la ligereza de la acróbata y el peso del atleta. La esfera y el cubo en los que, respectivamente, se apoyan, realzan aquellas cualidades y el consiguiente contraste entre ambas figuras. Por otra parte, son sólidos geométricos asociados desde antiguo, en la tradición platónica, a las características de perfección y estabilidad. Además, la muchacha aparece pintada casi en dos dimensiones, lo que resalta su ingravidez frente al volumen, modelado por las gradaciones de luz y sombra, del hombre. El color, con calidades de pintura mural en una gama restringida de rosas y ocres, y el depurado paisaje del fondo, que se ha relacionado con los de la infancia malagueña del artista, contribuyen de modo decisivo a la esencialidad de la obra.

La obra, adquirida por la norteamericana Gertrude Stein, pasó luego a la Galería de Kahnweiler, que la vendió en 1913 al coleccionista ruso I. A. Morosov. Tras la Revolución, pasó a formar parte de las colecciones estatales, y sólo en contadas ocasiones ha sido prestada por el Museo Pushkin de Moscú, en el que se conserva.

La Ciudad Prohibida en el Louvre

 

La Ciudad Prohibida en el Louvre - Los emperadores de China y los reyes de Francia
Los tesoros de la Ciudad Prohibida son el centro de una gran exposición presenta una selección de ciento treinta obras en tres áreas distintas del museo.
El resultado de una estrecha cooperación entre Francia y China, este evento es sin duda un hito importante en los intercambios culturales y diplomáticas entre las dos naciones.

La exposición recuerda la evolución de la Ciudad Prohibida de acuerdo con una cronología en torno a los grandes emperadores que gobernaron China desde mediados de la decimotercera a mediados del siglo XIX. Los ciento treinta grandes obras en préstamo de China-pinturas, jarrones, platos, objetos de laca, trajes de ceremonia, uniformes militares, y la caligrafía, se ponen en contexto junto a figuras emblemáticas de la historia imperial de China.

Los espacios de exposición dedicado a la historia del Louvre (Salles d'Histoire du Louvre) muestran las líneas sucesivas de los gobernantes chinos y, para cada período, los intercambios que han existido entre Francia y China.

En los fosos del Louvre medieval, un modelo de la Ciudad Prohibida capta la magnitud de este palacio que surgió de la nada de la voluntad de un hombre, el emperador Yongle (1403-1424), mientras que un montaje de vídeo ofrece imágenes de su historia arquitectónica .

También en la exhibición, en el ala Richelieu, son la sala del trono del emperador Qianlong (contemporáneo con las épocas de Luis XV y Luis XVI) y las obras maestras de la pintura de seda que por encargo, los retratos de tamaño natural de sus caballos en particular.

Exposición organizada por el Museo del Louvre y el Museo del Palacio, con el apoyo académico del Museo Guimet (Museo Nacional de Arte Asiático Guimet).

La exposición está patrocinada principalmente por Schneider Electric, con apoyo adicional de Louis Vuitton y el apoyo generoso de Haier, Gide Loyrette Nouel, y Air China.

El catálogo ha sido elaborado con el apoyo del Grupo Fosun.

Exposición de los medios de comunicación socios: France Info, Le Figaro, y el metro.
Comisario (s): Jean-Paul Desroches, Museo Guimet
Isabelle Leroy-Jay Lemaistre y Fonkenell Guillaume, Musée du Louvre, Departamento de Esculturas
LV Chenglong, Museo del Palacio, Ciudad Prohibida, el Departamento de Antigüedades.

Le Chat Noir

 

Le Chat Noir

Le Chat Noir —en español, El Gato Negro— fue un cabaret del siglo XIX en el barrio bohemio de Montmartre, en París. Fue inaugurado el 18 de noviembre de 1881 en el bulevar Rouchechouart por el artista Rodolphe Salis, y clausurado en 1897, para decepción de Picasso y de otros que lo buscaron cuando fueron a la Exposición Universal de París (1900).

El cabaret fue muy conocido por la actuación de cantautores como Aristide Bruant, por presentar espectáculos de teatro de sombras, creados principalmente por Rodolphe Salis y Henri Rivière, y porque entre sus clientes habituales había muchos artistas famosos o notables.

En la actualidad, muchos establecimientos de hostelería tienen ese nombre u otros muy parecidos, como el bar Chat noir de París, el restaurante Au chat noir en Bruselas, el café Le Chat Noir de Corfú, Grecia, el café El Gato Negro de Buenos Aires, etc.

Cartel de Steinlen 1896

Le Chat Noir a finales del siglo XIX

Algunos clientes famosos de este cabaret:

• Alphonse Allais (1854-1905), escritor y humorista.
• George Auriol (1863-1938), cantautor, poeta y pintor.
• Aristide Bruant (1851-1925), cantautor.
• Caran d’Ache (1858-1909), caricaturista francés de origen ruso.
• Coquelin Cadet (1848-1909), actor de teatro.
• Émile Cohl (1857-1938), creador de dibujos animados.
• Charles Cros (1842-1888), poeta e inventor.
• Claude Debussy (1862-1918), compositor.
• Maurice Donnay (1859-1945), dramaturgo.
• André Gill (1840-1885), caricaturista y cantautor humorístico.
• Émile Goudeau (1849-1906), periodista, novelista y poeta.
• Yvette Guilbert (1867-1944), cantante.
• Jules Laforgue (1860-1887), poeta francés de origen uruguayo.
• Louis Le Cardonnel (1862-1936), poeta.
• Jean Richepin (1849-1926), poeta social, novelista y autor teatral francés de origen argelino.
• Guy de Maupassant (1850-1893), novelista.
• Henri Rivière (1827-1883), escritor y periodista.
• Maurice Rollinat (1846-1903), poeta.
• Albert Samain (1858-1900), poeta.
• Erik Satie (1866-1925), compositor y pianista.
• Paul Signac (1863-1935), pintor.
• August Strindberg (1849-1912), escritor y dramaturgo sueco.
• Paul Verlaine (1844-1896), poeta.
• Adolphe Léon Willette (1857-1926), pintor, ilustrador et caricaturista.

Andrei Rubliov (San Miguel Arcangel)

 

Andréi Rubliov

 

Andréi Rubliov (en ruso: Андрей Рублёв) (¿1360? – ¿1430?) fue un religioso y pintor ruso medieval. Es considerado como el más grande iconógrafo de Rusia.

 Biografía

Hay poca información de su vida. No se sabe donde nació. Rubliov probablemente vivió en el monasterio de la Santísima Trinidad y San Sergio en tiempos del patriarcado de Nikon de Rádonezh, que se convirtió en el igumen después de la muerte de San Sergio de Rádonezh en 1392.

Reconocimiento

Fue canonizado en 1988. La iglesia ortodoxa rusa celebra su día de santoral el 4 de julio. En 1959 se abrió el Museo Andréi Rubliov en el monasterio Andrónnikov, mostrando su trabajo. En 1966, Andréi Tarkovski realizó una película basada en su vida.

Obra

El icono de "La Trinidad del Antiguo Testamento".

La primera mención de la iconografía de Rubliov fue en 1405 cuando decoró iconos y frescos para la Catedral de la Anunciación del Kremlin de Moscú en compañía de Teófanes el Griego y Prójor de Gorodets.

Inicialmente Rubliov fue asistente de Teófanes el Griego; si la obra de Rubliov se mantiene dentro de la tradición bizantina también es cierto que se libera del excesivo hieratismo canónico del arte tradicional bizantino (en todo caso el pintor ruso se aproxima al arte llamado deuterobizantino). Innova al introducir flexibilidad en las figuraciones y una expresión más humana y dulce en las actitudes y, especialmente, en los rostros.

Decora también la Catedral de la Asunción en la ciudad de Vladímir, en colaboración con Daniil Chyorny, y entre los dos comparten la gloria de ser los más grandes iconógrafos rusos.

El celebérrimo ícono de "La Trinidad" es la obra más famosa de Rubliov, pintada probablemente entre 1422 y 1428 para la catedral del monasterio de la Trinidad y San Sergio. Rubliov representó a tres ángeles que, según el relato bíblico, fue la forma que tomó Dios para aparecer ante Abraham y Sara en Mamré.

Rubliov omitió detalles excesivos. “La Trinidad", como todas sus obras, se caracteriza por la representación de las imágenes más significativas. Todo se somete a la idea única. En el centro del icono el autor presentó la figura del ángel que simboliza a Jesucristo (Por lo común, en el centro se presentaba el ángel que simbolizaba a Dios-Padre). El colorido de las vestiduras es característico para la iconografía de su imagen. Detrás de Jesucristo se encuentra el árbol verde, símbolo de la vida eterna.

A la derecha de la figura de Jesús vemos al ángel que simboliza al Espíritu Santo. Detrás de él, una colina representando el escalamiento espiritual hacia el cielo. Las figuras de dos ángeles, la colina y el árbol, se ladean hacia la tercera figura, Dios-Padre, detrás de la cual se encuentra el edificio que simboliza la casa de Dios, el orden divino del universo. Jesucristo bendice el cáliz con la cabeza del cordero degollado, símbolo del sacrificio de Jesús, y dos ángeles inclinan la cabeza en señal de acuerdo y obediencia.

Rubliov los presenta en apacible coloquio, sumidos en profundas meditaciones. Los ángeles aparecen con la cabeza suavemente inclinadas, unidos por la concordancia espiritual, serenos, hasta parecería que tristes, pero en realidad su alegría es interior. Cuesta trabajo diferenciarlos, pues tienen los tres el mismo rostro, como invitando al espectador a meditar sobre el misterio de la Trinidad. La paleta de Rubliov logró unir la fuerza contenida de la gama de colores del icono con los matices apenas perceptibles de las tonalidades claras y luminosas, que parecen emitir una luz dulce. La composición del cuadro se basa en la sucesión rítmica de las líneas curvas que dan la idea de un círculo; las ligeras figuras alargadas de los ángeles hacen juego con los contornos del cáliz y de la colina, del árbol y del edificio.

La belleza y armonía del icono, ejecutado con sorprendente inspiración y maestría sirvieron de modelo excelso a los creadores artísticos rusos de épocas posteriores.

La torre de Babel (Brueghel)

 

La torre de Babel (Brueghel)

La torre de Babel (De Toren van Babel)

Pieter Brueghel el Viejo, 1563

Pintura al óleo sobre madera • Renacimiento

114 cm × 154 cm

Museo de Historia del Arte de Viena, Viena,  Austria

La pequeña torre de babel, h. 1563, óleo sobre tabla, 60 cm x 74,5 cm, Museum Boymans-van Beuningen, Rótterdam.

La torre de Babel es una pintura de Pieter Brueghel el Viejo, actualmente localizada en el Museo de Historia del Arte de Viena, el Kunsthistorisches, en Viena, Austria. Se trata de un óleo sobre madera de roble con unas dimensiones de 114 centímetros de alto y 154 de ancho. Fue ejecutada en el año 1563.

Su tema es la construcción de la torre de Babel que, según la Biblia, fue una torre construida por la Humanidad para alcanzar el cielo. Según el Génesis, Yahvé confundió la lengua de los hombres, lo que les llevó a dejar la torre inacabada y a que se marcharan en todas direcciones.

Es un tema que ya había sido tratado con anterioridad, desde los libros iluminados del siglo VI. Se retoma en el siglo XVI como símbolo del orgullo humano,^[1] advirtiendo de sus peligros, así como del fracaso de la racionalidad clásica frente a lo divino. Es así una alegoría del orgulloso imperio internacional de los Habsburgo basado sobre una fe unificada y del estado constituido por banqueros, ministros, clérigos, soldados y pensadores humanistas sicofantes sometidos a tal proyecto.

El centro del cuadro lo domina la torre a medio construir, dentro de un amplio paisaje panorámico. El pintor adopta un punto de vista muy alto. En la parte superior de la torre, la presencia de una nube simboliza la pretensión de que querían alcanzar con ella el cielo.

La descripción de la arquitectura de la torre por Brueghel, con sus numerosos arcos y otros ejemplos de ingeniería romana hacen pensar de manera deliberada en el Coliseo que representaba para los cristianos de la época el símbolo de la desmesura y de la persecución. De la Arquitectura de la Antigua Roma parece también provenir la mampostería de ladrillo, recubierta en el exterior por muros de sillería.

Es interesante constatar que la pintura de Brueghel parece atribuir el fracaso de la construcción a problemas de ingeniería estructural más que a diferencias lingüísticas de origen divino. Aunque a primera vista la torre parece constituida por una serie establece de cilindros concéntricos, un examen más atento demuestra la evidencia que algún piso no reposa sobre una verdadera horizontal; la torre está más bien construida como una espiral ascendente. Los arcos son sin embargo construidos perpendicularmente al suelo inclinado, lo que los hace inestables, algunos ya se aplastaron. Más inquietante puede ser el hecho de que los cimientos y los pisos inferiores de la torre aún no está acabados mientras que las capas superiores ya están construidas.

El autor pintó otra obra con el mismo tema, La pequeña torre de Babel, hacia el año 1563, la cual se encuentra en el Museo Boymans-van Beuningen en Rótterdam.

Dánae recibiendo la lluvia de oro (Tiziano)

 

 

Dánae recibiendo la lluvia de oro (Tiziano)

Dánae recibiendo la lluvia de oro (Danae riceve la pioggia d’oro)

Tiziano, hacia 1553

Óleo sobre lienzo • Manierismo

129 cm × 180 cm

Museo del Prado

Dánae recibiendo la lluvia de oro es un cuadro pintado en el siglo XVI por Tiziano Vecellio di Gregorio, y ahora expuesto en el Museo del Prado.

Con el nombre de «Poesías», denominó Tiziano a varios cuadros, como el de Venus y Adonis y éste de Danae recibiendo la lluvia de oro. Otros lienzos de la serie eran El rapto de Europa (Isabella Stewart Gardner Museum, Boston), Diana y Acteón y Diana y Calisto (ambos prestados por su propietario, el duque de Sutherland, a la Galería Nacional de Escocia) y Andrómeda y Perseo (Colección Wallace, Londres). Dicho grupo de cuadros se destinó al rey Felipe II.

Tiziano escribe al rey en 1553 a raíz del envío de la obra de Venus y Adonis en estos términos:

...y, porque en la Dánae que ya envié a Vuestra Majestad se veía la parte delantera, he querido en esta otra poesía variar y hacerla mostrar la contraria parte para que resulte la habitación en la que han de estar más graciosa a la vista".

Tiziano solía repetir los temas que más éxito tenían. Esta Dánae recibiendo la lluvia de oro es una versión de otra que existe en el Museo de Capodimonte de Nápoles, si bien existen diferencias notables entre uno y otro.

Representa el mito de Dánae, quien había sido encerrada por su padre, el rey de Argos, en el momento de ser tomada por Zeus en forma de lluvia de oro. La figura central está recostada sobre la cama, con las piernas dobladas. A su derecha hay un perro pequeño, que se reputa un atributo de la cortesana. En la parte derecha hay una criada cuya espalda oscura contrasta con la blancura de Dánae; del mismo modo, hay una oposición clara entre su rostro envejecido y la juventud de la princesa de Argos. Esta sirvienta está recogiendo con un delantal las pepitas de oro que caen en forma de lluvia dorada, desde las nubes tormentosas que dominan el centro de la parte superior.

Estas figuras se sitúan en un espacio indefinido, ni exterior ni interior; se ven las cortinas y las nubes al fondo.

En esta obra se percibe la influencia de Giorgione en el desnudo.