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ARTE

La Anunciación

La Anunciación

La Anunciación

1425 - 1426. Témpera sobre tabla, 190,3 x 191,5 cm. 

Aunque Guido di Piero trabajó como pintor e iluminador en Florencia con anterioridad a su ordenación como dominico hacia 1420-1422 y la adopción del nombre de Fra Giovanni de Fiesole (sólo fue llamado Fra Angelico tras su muerte), sus primeras obras documentadas se fechan entre 1423 y 1429. Dentro de este periodo se incluye la realización de esta obra, pintada para el convento de Santo Domingo en Fiésole y probablemente sufragada por Angelo di Zanobi di Taddeo Gaddi, nieto del pintor Taddeo Gaddi. Minusvalorada durante décadas por la crítica, que la tenía por versión tardía de La Anunciación de Cortona con amplia participación de taller, La Anunciación del Prado es considerada actualmente una de las primeras obras maestras de su autor, y fue realizada en un momento decisivo para el arte florentino, cuando trabajaban en la ciudad epígonos del gótico internacional como Lorenzo Monaco o Gerardo Starnina; pintores al tanto de las innovaciones nórdicas, Gentile da Fabriano; y artistas revolucionarios como Masaccio o Brunelleschi.

Iconográficamente se trata de una obra tradicional cuya tabla central muestra el ciclo de la pérdida (Adán y Eva expulsados del Paraíso) y salvación del hombre (Anunciación de María), mientras los cinco paneles de la predella ilustran otros tantos episodios de la vida de la Virgen. Sin embargo, en la plasmación visual de estos temas Fra Angelico demostró conocer las transformaciones que estaban sucediéndose en el arte toscano. Así, la minuciosidad en la representación de flores y objetos deriva de Gentile da Fabriano, responsable también de la voluntad de unificar el espacio mediante la arquitectura; mientras el intento de profundidad espacial de la camera virginis remite a cuanto habían hecho Masolino y Masaccio en la Capilla Brancacci. De igual modo, la estructura que cobija La Anunciaciónfue de las primeras en seguir la recomendación dada en 1425 por Brunelleschi para los retablos de San Lorenzo, que debían ser cuadrados y sin adornos.

ROSALIE KATE WHITTINGHAM

ROSALIE KATE WHITTINGHAM

ROSALIE KATE WHITTINGHAM

https://rosaliekateillustration.format.com/

Rosalie Kate Whittingham es una ilustradora e imprenta de Leeds y graduada de BA Hons Fashion Illustration del London College of Fashion. Los clientes incluyen Mary Katrantzou, Nudie Jeans y Sebastian Professional Hair. Whittingham se publica internacionalmente en publicaciones como Adult Magazine y DASH Magazine, así como en el libro de Victionary de 2015 "Behind Collections".

 

 

 

 


O · M · O

O · M · O
El punto fijo de una mirada pensada

Tras las máscaras de una milenaria cultura desconocida por su amplia diversidad, se esconden modelos que desaparecen al ser intervenidos por la mano de Felipe Bedoya. Lo único que queda y provoca es la mirada.
A modo de epifanía un rostro se asoma. Lo cubren manchas gruesas, maquillaje denso y casi grumoso le oculta la piel. Sólo se percibe entre máscaras la tez oscura, no el género ni la edad. Y, entre todo, los ojos: la mirada. Aguda, seca y directa, sin tapujos se muestra indiscreta y vehemente para alertar al espectador y no dejarlo seguir sin una detención, sin un intercambio.
Es parte de una exhibición por cierto. Un invitado acomodado en el palco de los que observan vitrineantes. Mientras los ve pasar y detenerse comprende que hay dudas frente a su presencia y diversas reacciones a la mirada fija que ha adoptado. En efecto, él como ser humano aparente no existe en realidad y está allí para contrariar, para crear reacciones. “Los personajes que tú ves no existen, son ficticios. La idea es incomodar al espectador y que se cuestione, que se pregunte qué tan real es lo que está viendo”, explica Felipe Bedoya, su creador, el artista. Lo cierto es que aquellas personas reales, los modelos con que trabaja, dejan de existir en su creación al momento de la intervención, de crear cada obra.
¿Hay modelo? Sí lo hay. ¿Hay maquillaje? También. Sin embargo, el fruto de la pintura sobre el rostro, al que suma el efecto del acrílico y la manipulación digital que se ejecuta luego de la fotografía, consiguen una transformación tan profunda y voluntaria, que quien fuese que fuere el modelo de la imagen, en la obra terminada, ya no está –al menos en su esencia–. Cada una de sus obras es el resultado de una fijación de Felipe Bedoya, cuya debilidad y atención se desata frente al estudio de la cultura africana y, pese a que desconoce la proveniencia de este interés, lo trabaja con tal ahínco que consigue exhibir cada detalle estético de los semblantes que pueblan esa cultura.
Ha dicho que en la cultura africana “las miradas y la forma en cómo viven y expresan su identidad”, le atraen indefectiblemente, lo que puede o no provenir de la descendencia afroamericana que existe en su natal Colombia. “Detecto cada marca de guerra, línea; el semblante alimenta muchísimo mi trabajo”, describe respecto del propósito de la detención en el rostro y el retrato como técnica. “Parece fotografía, pero no lo es. No es que haga un simple clic y ya está el trabajo hecho. Han creído que son pinturas también, algunos piensan que las tomé directamente desde África, pero lo cierto es que toda la información que hay en la imagen es al tiempo desinformación”, explica Felipe, quien despista al espectador con su proceso artístico, de manera de desorientarlo y conducirlo a explorar en sus propias conclusiones.
Allí sigue, en la pared mirando. A ratos parece crudo, duro, agresivo; otros podrían decir que es nostalgia, tristeza, quizá melancolía. Y eso es lo que quiere. Ese personaje que usa todo el espacio que le fue concedido y exhibe tímidamente el cuerpo y fervientemente la mirada revela una intención, una emoción tan extrovertida que empatiza con la timidez de su creador. “No soy una persona que mira mucho a los ojos a los demás. Soy más bien tímido y reservado. El poner a mis personajes enfrentando al espectador, mirándolo de frente, es el contraste que consigue que sienta que hablo a través de las imágenes con un lenguaje que por carácter no puedo transmitir en la vida real”, confiesa el artista.
Su motivación también tiene algo de sugerente. Muy poca gente conoce realmente a fondo las culturas africanas, por su diversidad, muchas veces ajena a nuestro continente, el conocerlas de cerca se torna difícil para un porcentaje amplio del globo. “Eso hace más fácil el proceso de manipulación de la imagen y con ello la transmisión al espectador. Yo trabajo el concepto de la individualidad y la soledad. Así llegué a las máscaras africanas y estos personajes. El brillo especial en la mirada, la forma en cómo viven, las marcas y líneas en su cuerpo las dejan con sus huellas y denotan su pertenencia”, complementa Felipe a su motivación original. Por eso su fijación principal no es la cultura en sí, sino lo que sus participantes sugieren y las conductas que emanan de ellos. La manera en que Felipe Bedoya plasma sus retratos describe el objetivo de provocar una reflexión respecto de lo que se ve y cómo las percepciones mezclan la realidad con la emotividad de la ficción propia.
Natalia Vidal Toutin / AAL

(Constructed photograpy)
Studies - acrylic watercolor on paper
Inspired by African cultures - OMO Valley / Hans Silvester

Balbusso

Balbusso

http://www.balbusso.com/

MILANO - NUEVA YORK 
Representante de EE. UU .: Shannon Associates New York 
www.shannonassociates.com/artist/balbusso

El crítico Steven Heller describió su trabajo como "tentadoramente renacentista y misteriosamente nueva onda".

Los gemelos Balbusso son reconocidos internacionalmente por el galardonado equipo de artistas italianos con una firma única Anna + Elena = Balbusso Twins, que ha sido publicada por editoriales y compañías internacionales de todo el mundo en varios tipos de medios como revistas, chaquetas, comunicación corporativa, comunicación social, promoción, anuncios, diseño. Sus clientes incluyen revistas y periódicos como The New Yorker magazine (EE. UU.), The New York Times Sunday (EE. UU.), The NYT Book Review (EE. UU.), Reader's Digest Magazine (EE. UU.), Le Figaro Group (FR), Le Monde (FR ) Revista Abitare (IT). En el ámbito institucional y educativo, desde 2007 colaboran con numerosas revistas de los más prestigiosos colleges y universidades de Estados Unidos. Para la comunicación social multicultural sin fines de lucro, durante más de diez años han colaborado con la revista francesa "L'Autre Revue Transculturelle".Han ilustrado más de 40 libros ( libros ilustrados de niños, novelas clásicas, ficción) de grandes autores clásicos como G. Chaucer, W. Shakespeare, A. Pushkin, G. De Maupassant y de autores contemporáneos famosos como Margaret Atwood, que ilustran el novela galardonada con múltiples premios "The Handmaid's Tale" (Folio Society 2012 Reino Unido). Algunos de sus editores: Creative Editions (EE. UU.), Tor Books (EE. UU.), Random House (EE. UU.), Simon y Schuster (EE. UU.), Scholastic (EE. UU.), Macmillan (Reino Unido), Houghton Mifflin Harcourt (EE. UU.), The Folio Society (Reino Unido), Penguin Group (UK), Headline Publishing Group (UK), Editions Gallimard (FR), Éditions Milan (FR), Édition Sarbacane (FR), Yeowon Media (Sud Corea), Mondadori Group, Mondadori Ragazzi (IT) , Black Cat Publishing (IT), De Agostini Group (IT), Giulio Einaudi (IT) Giunti Progetti Educativi (IT), Einaudi Ragazzi (IT), Edizioni El (IT).

Sus obras de arte han sido expuestas en numerosas exposiciones y galerías en Italia y en el extranjero. El prestigioso NORMAN ROCKWELL MUSEUM (Stockbridge, Massachusetts, EE. UU.) Ha incluido a Balbusso Twins entre los ilustradores de The Decade 2010-present (períodos de tiempo) en su sitio webwww.illustrationhistory.org . El crítico Steven Heller describió su trabajo como "tentadoramente renacentista y misteriosamente nueva ola". En 2017, sus ilustraciones para el libro "The Handmaid's Tale" de Margaret Atwood se exhibieron en la exhibición de celebración: The Artful Book, 70 años de The Folio. Sociedad en elVictorian and Albert Museum en Londres . En 2016, los gemelos Balbusso fueron invitados a participar en dos prestigiosos eventos en el Triennale Design Museum de Milán: W-Women en italiano Design XXITriennale Milano , exposición comisariada por Silvana Annicchiarico , y "Normali Meraviglie. La mano " " Maravillas normales. The Hand: Artistas y diseñadores internacionales reinterpretan la mano de cerámica diseñada por Mimmo Paladino ", exposición benéfica comisariada por Alessandro Guerriero y Alessandra Zucchi. Anna y Elena Balbusso han sido incluidas entre los 18 mejores artistas italianos en la ilustración infantil: excelencia italiana (2015-2018) organizada por la Feria del Libro Infantil de Bolonia, el Instituto Italiano de Cultura de Italia. Madrid y de Berlín. Han sido miembros de la Sociedad de Ilustradores de Nueva York desde 2009 y de la Sociedad de Ilustradores de Los Ángeles desde 2015. Están representados porShannon Associates New York, EE. UU.

¿Los hermanos marxistas? Cabina o retrato del artista como un joven

¿Los hermanos marxistas? Cabina o retrato del artista como un joven

¿Los hermanos marxistas? Cabina o retrato del artista como un joven

Óleo sobre lienzo

260,5 x 361 cm

1991

Arte contemporáneo (siglo XX - siglo XXI)

ARROYO, Eduardo

(Madrid, 1937)

eduardo arroyo autorretrato

http://arte-orellana.es/obras.php?g=EDUARDO-ARROYO-58


Arroyo dio a esta obra un doble título, revelando así la película y las referencias literarias de su origen. Al igual que en la conocida secuencia de la película de 1935 de los hermanos Marx, A Night at the Opera , varios personajes están hacinados en una cabina. El juego de palabras establecido entre el primer título (La cabaña de los hermanos marxistas) y la representación tipográfica de los rostros vuelve a duplicar el significado de la imagen, aunque esta vez en una clave política sobre la cual los patrones de vestidos de las mujeres: soldados, bombas y el símbolo de la hoz y el martillo, también están relacionados. Además, el trabajo se realizó al mismo tiempo que Arroyo completaba las ilustraciones del Ulises de James Joyce , escrito en 1922; no debemos olvidar que Joyce había escrito anteriormente Retrato del artista como joven en 1914, cuyo personaje principal descubre gradualmente la libertad personal. Uno de los matices de la pintura es el desencanto de Arroyo con la desaparición de las ideologías.

Después de leer Periodismo en Madrid, en 1958 Arroyo se instaló en París con la intención de convertirse en escritor. Terco opositor a la dictadura de Franco, Arroyo permanecería en el exilio en París hasta 1976. A pesar de su temprana vocación literaria, que nunca abandonó, pronto comenzó a pintar y exhibir en el campo de la figuración narrativa. Arroyo también ha creado diseños de teatro y ópera, collages, esculturas, cerámicas, grabados, carteles e ilustraciones, dando forma a una obra llena de referencias literarias y autobiográficas que combinan humor, crítica y una fascinación por la cultura visual. [MGM]

 

Bibliografía seleccionada:

De Picasso a Bacon : arte contemporáneo en las colecciones del Museo de Bellas Artes de Bilbao. [Cat. exp.]. Segovia : Museo de Arte Contemporánea Esteban Vicente, 1999, p. 25.

Entre la figuración y la abstracción : arte contemporáneo en las colecciones del Museo de Bellas Artes de Bilbao.[Cat. exp.]. Pamplona : Museo Navarra, 1999, p. 23.

Dos milenios en la historia de España: año 1000, año 2000. Madrid : Sociedad Estatal España Nuevo Milenio, 2000, pp. 370-371.

Marta García Maruri. Museo de Bellas Artes de Bilbao : guía. Bilbao : Museo de Bellas Artes de Bilbao = Bilboko Arte Ederren Museoa, 2011 (1ª ed. 2006; ed. inglés; ed. francés; ed. euskera), p. 201, n.º 144, ad vocem.

Vincent Van Gogh

Vincent Van Gogh

Vincent Van Gogh

Holandés, 1853-1890

IntroducciónVincent Willem van Gogh (en holandés: [vɪnsɛnt ʋɪləm vɑn ɣɔx] (escuchar), 30 de marzo de 1853 - 29 de julio de 1890) fue un pintor holandés postimpresionista que figura entre las figuras más famosas e influyentes de la historia del arte occidental. En poco más de una década creó alrededor de 2.100 obras de arte, incluidas alrededor de 860 pinturas al óleo, la mayoría de ellas en los últimos dos años de su vida. Incluyen paisajes, naturalezas muertas, retratos y autorretratos, y se caracterizan por colores llamativos y pinceladas dramáticas, impulsivas y expresivas que contribuyeron a los cimientos del arte moderno. Su suicidio a los 37 años siguió años de enfermedad mental y pobreza. Nacido en una familia de clase media alta, Van Gogh dibujó de niño y era serio, callado y reflexivo. Cuando era joven trabajó como vendedor de arte, a menudo viajando, pero se deprimió después de que lo transfirieron a Londres.Pasó a la religión y pasó un tiempo como misionero protestante en el sur de Bélgica. Se dejó llevar por la mala salud y la soledad antes de comenzar a pintar en 1881, después de haberse mudado a casa con sus padres. Su hermano menor, Theo, lo apoyó económicamente, y los dos mantuvieron una larga correspondencia por carta. Sus primeros trabajos, en su mayoría naturalezas muertas y representaciones de campesinos, contienen pocos signos del color vivo que distinguió su trabajo posterior. En 1886, se mudó a París, donde conoció a miembros de la vanguardia, como Émile Bernard y Paul Gauguin, que reaccionaban contra la sensibilidad impresionista. A medida que su trabajo se desarrolló, creó un nuevo enfoque para las naturalezas muertas y los paisajes locales. Sus pinturas adquirieron un color más brillante a medida que desarrolló un estilo que se realizó plenamente durante su estancia en Arles, en el sur de Francia, en 1888. Durante este período, amplió su temática para incluir series de olivos, campos de trigo y girasoles. Van Gogh sufría de episodios psicóticos y delirios, y aunque le preocupaba su estabilidad mental, a menudo descuidaba su salud física, no comía bien y bebía mucho. Su amistad con Gauguin terminó después de una confrontación con una navaja de afeitar, cuando en una furia, cortó parte de su propia oreja izquierda. Pasó tiempo en hospitales psiquiátricos, incluido un período en Saint-Rémy. Después de que se dio de alta y se mudó al Auberge Ravoux en Auvers-sur-Oise, cerca de París, estuvo bajo el cuidado del médico homeópata Paul Gachet. Su depresión continuó y el 27 de julio de 1890, Van Gogh se pegó un tiro en el cofre con un revólver. Murió de sus heridas dos días después. Van Gogh no tuvo éxito durante su vida, y fue considerado un loco y un fracaso. Se hizo famoso después de su suicidio, y existe en la imaginación pública como el genio incomprendido por excelencia, el artista "donde convergen los discursos sobre la locura y la creatividad". Su reputación comenzó a crecer a principios del siglo XX a medida que los elementos de su estilo de pintura fueron incorporados por los fauves y los expresionistas alemanes. Logró éxitos críticos, comerciales y populares en las décadas siguientes, y es recordado como un pintor importante pero trágico, cuya problemática personalidad tipifica el ideal romántico del artista torturado.

Los olivos

Los olivos

Vincent Van Gogh

Los olivos

Saint Rémy, junio-julio de 1889

MedioÓleo sobre lienzoDimensiones28 5/8 x 36 "(72,6 x 91,4 cm)CréditoLa señora John Hay Whitney BequestNúmero de objeto581.1998DepartamentoPintura y Escultura
Este trabajo no está a la vista.
Vincent van Gogh tiene 6 trabajos en  línea.
Hay 2,377 pinturas en línea.

En el calor abrasador de esta tarde mediterránea, nada descansa. Contra un suelo marcado como por un torrente invisible, los intensos olivos verdes se retuercen y se engarzan, coronados por las onduladas y decrecientes colinas de los lejanos Alpes, bajo un cielo despejado con una nube ectoplasmática.

Después de que Van Gogh entrara voluntariamente en el asilo de Saint-Rémy en el sur de Francia en la primavera de 1889, le escribió a su hermano Theo: "Hice un paisaje con olivos y también un nuevo estudio de un cielo estrellado".Más tarde, cuando las imágenes se secaron, las envió a Theo en París, y señaló: "Los olivos con la nube blanca y las montañas detrás, así como el ascenso de la luna y el efecto nocturno, son exageraciones del el punto de vista de la disposición general, los contornos se acentúan como en algunas xilografías antiguas ".

Las cartas de Van Gogh dejan en claro que creó esta particular e intensa vista del paisaje del sur de Francia como un compañero de luz diurna del visionario nocturno de su lienzo más famoso, The Starry Night . Sintió que ambas imágenes mostraban, de manera complementaria, los principios que compartía con su compañero pintor Paul Gauguin, sobre la libertad del artista para ir más allá de "la perfección fotográfica y tonta de algunos pintores" e intensificar la experiencia del color y los ritmos lineales .

Extracto de la publicación del Museo de Arte Moderno, MoMA Highlights , Nueva York: El Museo de Arte Moderno, revisado en 2004, originalmente publicado en 1999, p. 34

Retrato de Joseph Roulin

Retrato de Joseph Roulin

Vincent Van Gogh

Retrato de Joseph Roulin

Arles, a principios de 1889

MedioÓleo sobre lienzoDimensiones25 3/8 x 21 3/4 "(64,4 x 55,2 cm)CréditoRegalo del Sr. y la Sra. William AM Burden, Sr. 
y Sra. Paul Rosenberg, Nelson A. Rockefeller, 
Sr. y Sra. Armand P. Bartos, Colección Sidney 
y Harriet Janis, Sr. y Sra. Werner E. Josten, y 
Loula D. Lasker Legado (todo por intercambio)
Número de objeto196.1989DepartamentoPintura y Escultura
Este trabajo está a la vista en el Piso 5, en una 
Galería de Colecciones, con 
otras 19 obras en línea.
Vincent van Gogh tiene 6 trabajos en  línea.
Hay 2,377 pinturas en línea.

Este retrato de Joseph Roulin es uno de los seis que pintó Van Gogh de su amigo íntimo, un empleado de correos en la ciudad de Arles, en el sur de Francia, a quince horas en tren de París. Van Gogh se había mudado a Arles en 1888, con la esperanza de crear allí una cooperativa de artistas. El plan nunca llegó a buen término, y el artista se sintió solo y aislado. Encontró consuelo y compañía con la familia Roulin, y son el tema de muchas de sus pinturas. En este retrato, Roulin está representado con el uniforme que siempre vestía con orgullo, en contraste con un imaginativo fondo de flores arremolinándose. En una carta a su hermano Theo, el artista escribió que, de todos los géneros, "el retrato moderno" lo entusiasmaba más: "Quiero pintar a hombres y mujeres con ese algo de lo eterno que el halo solía simbolizar, y que tratamos de transmitir por el brillo y la vibración reales de nuestra coloración ".

Etiqueta de la galería desde 2012

Proyecto de investigación de procedencia 
Este trabajo está incluido en el Provenance Research Project , que investiga el historial de propiedad de las obras en la colección de MoMA.
Theo van Gogh (1857-1891), París. 1889 - 1891 
Mme Johanna van Gogh-Bonger, Amsterdam (viuda de Theo van Gogh), Amsterdam. 1891 - 1923 
Leicester Galleries, Londres (agente de Jo van Gogh-Bonger). Diciembre de 1923 
Tate Gallery (National Gallery Millbank), Londres. Adquirido de Jo van Gogh-Bonger en las Galerías Leicester. Compra financiada por el Courtauld Trustees, diciembre de 1923- [febrero] 1924 
Mme Johanna van Gogh-Bonger, Amsterdam. [Febrero] 1924 (aceptó recuperar El retrato de Joseph Roulin del Tate, a cambio de Sunflowers F454 JH1562) 
Leicester Galleries, Londres (agente de Jo van Gogh-Bonger). Febrero de 1924
Galerie Thannhauser, Lucerna. Comprado en las Galerías Leicester por Siegfried Rosengart (socio de Heinrich Thannhauser, galerista de Munich) para Galerie Thannhauser, Lucerna, el 21 de febrero de 1924 - 30 de marzo de 1926 
Bernhard Mayer, Zurich. Comprado por Siegfried Rosengart (socio de Heinrich Thannhauser, Munich), 30 de junio de 1926 - al menos 1930 
Ernst Mayer y Gabrielle Mayer (hijos de Bernhard Mayer), Zurich y Ascona.Heredado de Bernhard Mayer, en 1946 
Thomas Ammann Fine Art, Zurich. En el envío de la colección privada suiza, en 1989 
el Museo de Arte Moderno, Nueva York. Adquirido de Thomas Ammann Fine Art a través del intercambio y venta de siete obras de arte, 1989

Si tiene alguna pregunta o información sobre las obras enumeradas , envíe un correo electrónico a provenance@moma.org o escriba a:

Proyecto de investigación de procedencias 
The Museum of Modern Art 
11 West 53 Street 
Nueva York, NY 10019